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Kevin Coyne “Nadie Muere en la Aldea de los Sueños”

5 Ene

Nobody dies in Dreamland – Home recordings from 1972.

Kevin Coyne fue un cronista, un cronista humano, con todo lo que eso implica, su catártico y dulce temperamento es lo que se transparentó en sus años como músico y performer en la marginalidad de la industria discográfica. Nacido en 1944 en Derby, una ciudad industrial en el centro de Inglaterra, un estudiante de Arte que se mudó a Preston a mediado de los sesentas para trabajar como asistente social en el Whittingham Psychiatric Hospital, algo que afectó su posterior carrera como músico. Se mudó a Londres y ahi formó el grupo “Siren” convirtiéndose en un admirado vocalista de blues, finalmente la banda se separaría luego de lanzar dos discos (Siren de 1969 y Strange Locomotion de 1971) bajo el sello Dandelion, dirijido por el DJ más progresista de esos dias, John Peel. LA falta de dinero haría dificil que la banda pueda llevar a cabo una carrera, asi que Kevin decidió hacer su trabajo en solitario.

Fue el manager de Dandelion, Clive Selwood quien le regaló una grabadora a cinta abierta para que pueda registrar sus ideas, en su departamento al Sur de Londres realizó los primeros registros de lo que luego sería su primer disco en solitario “Case History””. Lo que se siente en la escucha es justamente alguien cantando para sí mismo, en la soledad de su hogar, pensando sobre todo en su expresión , porque aunque su técnica es primitiva, tambien es asi de directa, su lirica es simple, por momentos furiosa, como en el blues a capella “I love you baby baby”, sinceras como “Now that I’m getting old (need somebody)” o “Evil Island Home”, somnolientas como “Sleepwalking” y algo psicotizadas como “Bitch” y ” Night Man”. Se nota que su experiencia como trabajador social, y su sensibilidad humanitaria es lo que lo convirtió en un referente de la clase obrera inglesa, su estilo siempre fue sencillo y directo, sus canciones no tienen vueltas complicadas y se reducen a unos pocos acordes, lo que importa es lo que nos cuenta: la historia de las emociones humanas como una manera para poder comprender su entorno, su denuncia contra el trabajo de las instituciones para hacerse cargo de los desamparados. Lo que Kevin Coyne pretende es poder ser comprendido, es una maquina de crear canciones, asi como otros artistas que sufrieron las trampas del sistema y de la conducta humana como Roky Erickson o Syd Barrett. Tuvo la necesidad de cantar con su corazón abierto y sin importar que es lo que se piense de ello.

Estas grabaciones datan del año 1972, cuando Kevin Coyne tenía 28 años, luego de mucho tiempo salieron a la luz por el sello Turpentine, fundado por él mismo y ahora manejado por sus hijos Eugene y Robert.

Christian Colangelo

Imagen

Descargar: http://www.mediafire.com/?djq88upaai6c4s4

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¿Es reálmente sólo Rock & Roll? (parte 3)

12 Nov

La relación entre el ocultismo y la contracultura musical se retrotrae a los orígenes decimonónicos y románticos del concepto de “juventud”. Así mismo, su vinculación con la ingeniería cultural de los poderes fácticos planetarios es más antigua e imbricada de lo que normalmente nos atrevemos a suponer.

por Franco Vico

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David Bowie; indumentaria egipcia, simbolismo solar en el tercer ojo y dibujando un Sephirot, o Árbol de la Vida de la Kabbalah.

El Mesías andrógino

Otro admirador de Crowley e investigador de diversas tradiciones espirituales es el cantante, compositor y actor David Robert Jones, conocido mundialmente con el nombre de David Bowie, a.k.a el Duque Blanco. En 1971 en su canción Quicksand, del LP Hunky Dory, Bowie escribe “Estoy más cerca de la Golden Dawn, inmerso en el uniforme de Crowley, de imaginería…”

Muchas fotos lo retrataron con indumentarias egipcias, simbolismo solar y en su álbum Station to Station de 1976, una imagen lo captura dibujando en el suelo un Sephirot, el arbol de la vida de la Cabala- la tradición esotérica del misticismo judío- un mapa de los centros de conciencia físicos y espirituales del ser humano. El por entonces adolescente Cameron Crowe, director de Almost Famous, relata sus experiencias como cronista de rock, interrumpiendo a Bowie en un ritual con velas y otros dispositivos mágicos luego de abrir accidentalmente la puerta equivocada (1).

Rebis Hermético; el andrógino primitivo presente en muchas tradiciones. Segun ‘El Banquete’ de Platon ambos sexos sugieron de su separación.

Existe una imagen proveniente de la tradición hermética llamado Rebis, el andrógino primitivo que de acuerdo a las diversas corrientes de la alquimia es la personificación del ser original habitante de la tierra, luego separado en dos sexos por la extracción bíblica de la costilla adámica y génesis Eva (2). De acuerdo a estas tradiciones y a todas la escuelas de conocimiento, el comienzo de la realización espiritual es reunir los principios, masculino y femenino, en un solo ser para regresar al estado primordial. Visto así y de acuerdo a muchas disquisiciones, Ziggy Stardust, diseñado por Bowie como un Mesías andrógino del espacio exterior, sería un iniciado transmisor de este mensaje, un personaje antediluviano inserto en la vanguardia experimental de la música (3).

Simbolismo solar y Cruz Tau en Tommy, Ken Russel (1975). Cruz Tau en el Convento de San Antonio, Castrojeriz; España.

En 1975 el director británico Ken Russell termina de rodar la opera-rock Tommy. Basada en la disco de The Who de 1969, el film retrata el camino de un héroe ciego, sordo y mudo, cuyo camino de superación está impulsado por su talento en el pinball y minado de una serie de pruebas referentes todos a una iniciación espiritual que contiene toma de LSD, adoración de la estrella Marilyn Monroe y la ruptura de un espejo como metáfora del traspaso dimensional. El film incluye una cruz casi cristiana con una esfera solar en la cima, simulando la inicial del personaje protagónico y refiriendo al símbolo Tau, letra griega de la resurrección, inicial del dios solar Tammuz, relacionado con la pesca y los peces, al igual que Jesucristo (4). El film ante todo comienza con una alusión directa a lo solar mesiánico presente en todas la religiones, que luego se confirma cuando el protagonista recupera sus sentidos y se transforma en un predicador iluminado por la escenografía de un firmamento estrellado con su logo enmarcado en un sol. La filmografía de Russell está plagada de este tipo de intereses, habiendo dirigido The Devils en 1971, o Altered States y Gothic durante los 80’s.

Chicos materiales

Desde los 80’s mucho del legado de Bowie y tantos otros, ensayado con tesón desde las bases del underground, fue montado para figuras de factura definitivamente industrial, cuyo talento indiscutible se sponsoreó desde un principio como vehículo para fines de adoctrinamiento, incluso en contra de su voluntad.

Paradigmáticos son los casos de músicos como Madonna, Michael Jackson, Prince, Whitney Houston y otros artistas insignia de Mtv, cuyos videos fueron la gran palanca de la cultura diseñada industrialmente por medio de la cual se pudo influir sobre el inconsciente de generaciones enteras desde muy temprana edad.

Madonna en una foto de 1984, con el sello masónico del billete de dolar. Abajo se lee Novus Ordo Seclorum- Nuevo Orden de los Siglos- en referencia a un nuevo orden planetario centralizado.

Las portadas de Michael Jackson en varias ocasiones ilustran motivos masónicos, y quien quiera adentrarse en los misterios de su asesinato, sólo tiene que googlear “Michael Jackson asesinado por los Illuminati” para leer versiones alternativas acerca de su desaparición y los acechos a él que su madre y su hermana Janet denunciaron ante la prensa.

El de Madonna es un caso especial, ya que se cree que fue entrenada desde un principio para convertirse en una alta sacerdotisa del culto de la élite. Esto puede verse en el simbolismo de Ojos de Horus, pirámides y pisos en damero, etc., todos dispositivos visuales de logias masónicas, utilizados ya en sus primeros video clips para representar un proceso de iniciación en la cofradía del espectáculo al que ella era sometida.

Muchos interpretan sus declaraciones previas a la participación en el último SuperBowl como una solapada confirmación de esto: “El SuperBowl es un lugar Santo entre los Santos de EE.UU. Será algo a mitad camino de una experiencia religiosa y voy a dar un sermón. Tendré que ser Impactante. (5) Si uno observa luego la iconografía escenográfica utilizada, podrá asociar rápidamente su indumentaria a por ejemplo Bafomet, el ídolo venerado por los templarios y una de las representaciones de Lucifer, o con la carta del tarot El Carruaje, que al igual que el trono de Madonna presenta dos esfinges a los lados. Incluso llegó a señalarse que hubo cierta conexión con la sospechosa muerte de Whitney Houston, acaecida días previos a la ceremonia, cuyo funeral también ostentó simbología funeraria de antiguo Egipto.

fotograma del video Power de Kanye West, más evidente imposible.

Ya con el camino a la fama global allanado, la siguiente generación de artistas pop- Britney Spears, Beyonce, Jay-Z, Kanye West, Lady Gaga- comenzaron a retransmitir el mismo tipo de simbología, incluso de una forma mucho más descarada. Para investigar y aprender a interpretar esotéricamente los videos e imaginario usados por estos artistas se puede recurrir a diversas fuentes, entre ellas recomiendo la web pijamasurf.com y los blogs putasparanoias.blogspot.com y vigilantcitizen.com o symboldictionary.net, estos dos últimos para quienes lean en inglés. Para una investigación más a fondo sobre simbología esotérica y sus orígenes, recomiendo acercarse a la obra de Jordan Maxwell (6), Michael Tsarion (7) y David Icke (8), todos ellos con muchos e-books, conferencias y videos subtitulados al español disponibles a un solo click en las redes sociales.

Culture is not your friend (9)

Estudiar estos temas nos lleva sin rodeos a hacernos ciertas preguntas incomodas acerca de nuestros afectos musicales y filiaciones estéticas varias. ¿Quiénes son los dueños y diseñadores de la cultura que consumimos? ¿Es todo una mera simulación artística bienintencionada que porta símbolos y pistas desconocidas de tradiciones antiguas por puro esnobismo esteticista o marketinero? O ¿Es que disfrazados bajo ese cariz innocuo y juguetón se esconden, a veces, influencias negativas capaces de cooptar nuestra consciencia y hasta dirigir nuestros actos de forma indetectable y en contra de nuestra voluntad?

Grafico que muestra la creciente concentración de poder mediático en EE.UU. lás últimas décadas. (10)

Basta con verificar la creciente monopolización de los medios masivos a nivel mundial para constatar que gran parte de ellos pertenece a una pequeño cenáculo de familias que también mantienen el control sobre gran parte de los negocios estratégicos globales. Basta también observar su genealogía para comprobar su vinculación histórica al ocultamiento de información espiritual, el adoctrinamiento masivo vía religiones institucionalizadas y la utilización del conocimiento quitado de circulación para la manipulación a gran escala.

La ciencia del control mental, que es utilizada actualmente en publicidad, propaganda, contra-inteligencia y psiquiatría farmacológica, fue llevada a conocimiento público por escándalos como el proyecto MK-Ultra de la CIA, en la historia reciente (11). Sin embargo es empuñada por esta cofradía para el sacrificio y abuso ritual desde tiempos inmemorables y tiene una profunda vinculación con las arte mágicas y la manipulación de energías oscuras. Dados todos estos antecedentes, si hacemos una no muy extensa investigación, tal vez sea posible atar algunos cabos y relacionarlos con el último disco de moda o la más reciente estrella Made in Mtv (12).

la Cimática es una ciencia que estudia el comportamiento de los fluidos en relacion a los sonidos(13). Los tambores de arena y agua dibujan símbolos al ser expuestos a diferentes notas musicales.

El filósofo chino de la antigüedad Confucio dijo una vez “los símbolos gobiernan al mundo, no las palabras ni las leyes”. Ninguno de los símbolos aquí mencionados o analizados son negativos o positivos en sí mismos, ya que, como todo conocimiento, adquieren un sentido de acuerdo al uso que se le da y a la intención con que se los imbuye. No todos los artistas aquí referidos son o fueron parte de un complot a gran escala ni hicieron uso consciente o maquiavélico de este conocimiento. Sin embargo, nuestras células responden a los sonidos e imágenes modificando el agua que hay en ellas, creando diferentes patrones y dibujos en sus cristales. Por tales motivos es importante percibir y elegir la clase de arte y cultura que puede influir mejor a nuestro ser. La enseñanza fundamental de toda tradición de conocimiento es que el ser humano es una parte de la consciencia Universal Divina cuyo potencial radica en crear su realidad a imagen y semejanza, voluntariamente. Pero eso es sólo posible cuando despertamos a esa consciencia y la entrenamos, comenzando por interpretar la naturaleza profunda de lo que tenemos frente a nuestros ojos.

Notas

1 Taylor, Greg: Occult Rock, dailygrail.com 07/12/2009: “The seventeen-year-old Cameron Crowe allegedly found a stirred-up Bowie burning black candles against an aborted magical ritual during the LA period. Eventually Crowe published several narratives in Rolling Stone and Playboy of Bowie drawing black magick symbols, seeing disembodied beings, thinking he was the Messiah, keeping bottles of his urine in the fridge.”

2 Rebis, Wikipedia.com

3 Labyrinth, starring David Bowie: A Blueprint to Mind Control; Vigilantcitizen.com 04/11/2011: “Bowie’s alter-ego named Ziggy Stardust was a representation of the “illuminated man” who has reached the highest level of initiation: androgyny. There was also a lot of one-eye things going on.”

4 Tau Cross and Triple Tau , Symboldictionary.net

5 Madonna’s Superbowl Halftime Show: A Celebration of the Grand Priestess of the Music Industry, Vigilantcitizen.com 06/02/2012: “The Superbowl is kind of like the Holy of Holies in America. I’ll come at halfway of the ‘church experience’ and I’m gonna have to deliver a sermon. It’ll have to be very impactful.”

6 http://www.jordanmaxwell.com/

7 http://www.michaeltsarion.com/

8 http://www.davidicke.com/

9 McKenna, Terrence: Culture and Ideology are not your Friends, Abril 1999. Matrixmasters.net

10 Mind Control Theories and Techniques used by Mass MediaVigilantcitizen.com 28/04/2010.

11 Operación MK Ultra, Wikipedia.com

12 Springmeier, Fritz y Wheeler, Cisco: La Formula Illuminati para crear un Esclavo de Control Mental totalmente indetectable 1999. Trad. Marco Torres. Fritzspringmeier.bligoo.com 18/05/2012

13 Cymatics; Wikipedia.com

El sacrificio de Madonna

6 Nov

Un análisis de la simbología en imagen del videoclip “Burning Up”

por Julián Andrade

Madona = Baphomet = Lucifer. Imagen del show de Madonna en el medio tiempo del Super Bowl 2012.

“Madonna (…) and others partially were signed because they could `project an image´”.

Dan Beck de Portrait Records (CBS) en una entrevista al Wall Street Journal donde cuenta porque contrataron a la cantante.

Madonna: Música. Moda. TV. Cine. Literatura. Icono Pop.

Según la revista Time, Madonna es una de las 25 mujeres que más ha influenciado al mundo durante el siglo pasado. Comparte los honores con la madre Teresa de Calcuta, Angela Merkel y Marie Curie.

Video killed the radio star

Warner-Amex Satellite Entertainment funda en 1981 la cadena Music Television. Desde entonces MTV se vuelve una pieza fundamental de la industria musical promocionando artistas las 24hs a través de videoclips en rotación continua.[ii] Hoy es parte del conglomerado Viacom (junto a CBS y Paramount)[iii]. Al momento de su transmisión inaugural, los primeros dos símbolos que se distribuyen por la nueva cadena son: imágenes modificadas la llegada del hombre a la luna plantando una bandera con el logo de MTV, y luego el videoclip “Video killed the Radio Star”. Una elección muy sugerente si se quiere anunciar la conquista de la nueva generación que venía creciendo a la luz del TV. [iv]

Judy McGrath, directora creativa de MTV en esos años, anuncia “Las estrellas del rock siempre se mantienen a la vanguardia. Incorporan señales de lo que viene (…) Los chicos de preescolar saben de moda. Están expuestos a MTV y a Madonna antes que puedan caminar y hablar”[v]

Además de vender discos, las formas de MTV fueron colándose en el resto de las producciones televisivas y fílmicas de los 80 (División Miami, Flashdance)[vi] convirtiéndose en un fenómeno cultural global: contagio música, impuso modas, transformó valores, promovió agendas. Bill Clinton debería agradecerle por el resultado electoral del 94[vii] y hasta se le adjudica a la cadena, entre chistes, terminar con la guerra fría.

Poco tiempo después de su fundación llega otro momento crucial en la cultura pop trasnacional: la consagración de Michael Jackson y de Madonna como naves insignia de la cadena. Además de ostentar los máximos títulos de realeza del pop, estos dos artistas comparten una persona crucial que marcó el inicio de la proyección global de sus carreras: Steven “Steve” Barron.

Según su biografía oficial, Barron comenzó en 1977 y es un “pionero en el campo de los videos musicales (…) Su trabajo inspiró la formación de MTV”[viii]  y según el libro Inside MTV el director pertenecía a un selecto grupo de artistas que sólo “estaba reservado para las grandes estrellas”[ix]. Su filmografía incluye series de televisión como “Merlín” (CBS/Hallmark), donde se cuenta la creación de Camelot, y películas como “Coneheads” (Paramount) donde un grupo de aliens se hace pasar por una familia para estudiar las costumbres de los humanos.[x] Barron se puso al servicio de Michael Jackson en el 82 con “Billie Jean”[xi], una de las imágenes-icono de la década que lanzó a Jackson a la fama mundial.[xii]

Por aquel entonces, un video promedio costaba alrededor de 75.000 dólares[xiii]. En su biografía Michael cuenta que “el video fue hecho con dinero de CBS: 250.000 dólares. En ese momento era mucho dinero para un video, me agrado mucho que creyeran tanto en mi. Steve Baron (…) tenía muchas ideas imaginativas sobre el video”[xiv]. A pesar de eso Michael se queja que no lo dejaban intervenir creativamente en su realización, él solo quería bailar.

Imágenes de Billy Jean de Michael Jackson y su simbología masónica: El camino, las columnas del templo y las escaleras hacia el Altar de la iluminación.

Si analizamos algunas imágenes de “Billie Jean”, podemos reconocer símbolos masónicos relacionados con el ritual de iniciación.

  • La escena sucede entre la noche y el día.
  • Pavimento adoquinado blanco/negro sobre el que se mueve el elegido (“I am the one” dice la letra de la canción).
  • Columna hueca que contiene el conocimiento (luz) que se enciende al apoyarse Michael.
  • El protagonista, luego de recibir la luz del conocimiento, sube la escalera y camina hacia el altar (cama) donde trasciende.

¿Entiende el espectador lo que acaba de ver? ¿Serían éstas las ideas imaginativas que propuso Steve Barron?

El videoclip como formato, es la obra mas plástica entre los contenidos de la TV. A diferencia de noticieros, telenovelas y talkshows, el videoclip utiliza un lenguaje no lineal, sin lógica aparente: un compilado de emociones e iconos empujados por un artista y su carisma. Una herramienta hipnótica ideal para implantar de manera subliminal mensajes, códigos, símbolos, ideas … Según Daniel Estulin: “Eso es lo que en esencia, es la MTV: una maquinaria de elevación a través de la publicidad. A esa fe no se llega por la razón, sino por el carisma, por una sensación de confianza que no se puede argumentar ni razonar.”[xv]

Error, Coincidencia o Estilo

En 1983 Steven Barron aceptó el encargo de realizar “Burning Up”[xvi], el primer videoclip oficial de una debutante Louise Ciccone que recién firmaba para Sire Records (parte de Warner Music Group)[xvii].

Madonna ya tenía una experiencia fílmica anterior: “A certain Sacrifice”[xviii]. Una película independiente, realizada en el 79 pero lanzada en el 85 aprovechando el nuevo éxito de la cantante.[xix] El film trata sobre una mujer (dominatrix) que vive con tres esclavos sexuales (un hombre, una mujer y un transgénero) a quienes abandona luego de descubrir el verdadero amor con un hombre solo. Luego que un quinto personaje la viola en el baño de un coffee shop, ella reúne a sus esclavos y a su novio con el fin de secuestrar al violador. Lo capturan y llevan a un ritual satánico donde lo sacrifican. Luego de la muerte, el novio baña al personaje de Madonna con la sangre del violador.

En materia de rituales audiovisuales, ya mostramos precedentes. Vimos indicios en “Billie Jean”, ahora con Madonna y Barron vayamos más profundo. La letra de “Burning up” cuenta en primera persona el deseo de pertenecer y de estar dispuesta a realizar un sacrificio para lograrlo: “Don´t you know I´m burning up for your love (…) I put myself in this position and I deserve the imposition (…) I´m not the same. I have no shame (…) Now tell me what you want me to do.” [xx] Como el videoclip no trabaja de manera lineal, vamos a agrupar y analizar los símbolos y sus relaciones por tema:

La entrada

Ojo izquierdo de Horus[xxi]. Símbolo de protección, poder real o buena salud.
Margaritas. Marcan la entrada al templo de Ishtar (Babilonia). Diosa de la fertilidad, el sexo y la guerra.[xxii] También conocida como “la prostituta sagrada”.

Representaciones de la Diosa Afrodita, la Luz del Conocimiento y el Ojo de Horus, en Burning Up, de Madonna.

Busto de Afrodita

Afrodita es la diosa griega del amor, belleza, placer y procreación[xxiii]. El equivalente a Venus en Roma y a Hathor en Egipto. Madonna literalmente se coloca en su lugar reemplazando el busto por su cabeza en el momento de la letra que dice “I put myself in this position and I deserve the imposition”.

La luz del conocimiento

Se asocia al conocimiento (o la verdad) con la luz. Proviene de la leyenda de Prometeo[xxiv] y el robo del fuego a los dioses para entregárselo a los humanos. El rayo laser es un tipo de luz que no se encuentra en la naturaleza. Fue creada por la ciencia ordenando/concentrando ciertas partículas de la luz para dirigirlas en un rayo único.[xxv] El rayo laser pasa por el ojo derecho (Ra o el sol, Egipto) de Madonna, para luego cambiarle la dirección a través de su mano. El rayo ahora cae en un pez (Jesus, apostoles pescadores de hombres)[xxvi] atrapado en una esfera.

La esclava

Cadenas en el cuello, grilletes en las manos, ojos tapados. Piezas que la muestran a Madonna como encarcelada sin poder ver. Luego aparece la primera pirámide construida con ojos una transición a su boca cantando.

La esclavitud y el sometimiento en la iniciación de Burning Up.

La pirámide

Representando los escalafones de conocimiento y poder en la sociedad.[xxvii] Siendo esclava (vestuario negro) se encuentra fuera de la puerta/pirámide en un ambiente sin luz. Luego aparece contenida dentro del bote/pirámide (vestuario blanco, aunque todavía con los grilletes en las manos). El bote/pirámide la lleva sobre aguas calmas en un ambiente iluminado.

La nueva posición de poder

El azul del auto se puede leer como el azul de la Compañía de Armas Masónicas. También cielo y universalidad. [xxviii] El ritual termina con Madonna siendo atropellada, para después tomar mágicamente la posición del conductor. “Burning up” es un ritual audiovisual de sacrificio/entrega a quienes tienen el poder. En su siguiente videoclip “Borderline”[xxix], se despliega una simbología muy parecida a “Billie Jean” pero de manera más evidente todavía: Es un ritual de iniciación del cual saldrá la poderosa Madonna que influenció al mundo. Pero eso queda para un próximo análisis.

Tras la iniciación Madonna toma el lugar de la sacerdotiza, ocupando una nueva posición de poder.

Los símbolos, la razón y la fuerza.

Es notoria la presencia de los símbolos “ocultistas” y su utilización de manera ritual en los videoclips de Madonna y Michael Jackson. Esto continúa como una constante en la videografía, letras, tapas de discos, vestuarios, coreografías, shows en vivo y toda su imaginería. La misma línea siguen artistas insignia de MTV de años posteriores como Metallica, Britney Spears, Jay-Z, Beyonce, Lady Gaga, etc.

El objetivo de este texto es hacer notar su presencia y unir puntos para que sea pertinente esbozar algunas preguntas: ¿Son los símbolos muestras de poder o los que canalizan el poder? ¿Cómo se relaciona el “éxito” con esta simbología? ¿Es MTV una herramienta de una elite para imponer valores y patrones de conducta mundialmente que sirvan a sus objetivos? ¿Se está utilizando los artistas de la industria musical trasnacional como repetidores o programadores? ¿Se realizan rituales a nivel planetario valiéndose éstos iconos culturales? ¿Así nos dominan?

Notas

[i] Time Magazine “The 25 most powerful woman of the past century.” Time.com
http://www.time.com/time/specials/packages/article/0,28804,2029774_2029776_2031853,00.html

[ii] NewsStand CNN Entertainment Weekly Report
“MTV Changed the music industry on August 1, 1981”.
CNN.com
http://articles.cnn.com/1998-07-31/entertainment/9807_31_encore.mtv_1_music-videos-beavis-mtv-crowd?_s=PM:SHOWBIZ

[iii] Viacom Media Networks / CBS / Paramount Pictures
“MTV: ENTERTAINMENT FOR THE WAY OUR AUDIENCE LIVES.”
http://www.viacom.com/ourbrands/medianetworks/Pages/mtv.aspx

[iv] Estulin, Daniel
Los secretos del club Bilderberg
“Capítulo 2. La maquina de lavado de cerebro perfecta: la MTV”, página 47.
DanielEstulin.com. Octubre 2008. 154 págs.
http://librosdigitalesfree.blogspot.com.ar/2010/09/los-secretos-del-club-bilderberg-daniel.html

[v] Denisoff, R. Serge
Inside MTV
“They wear what they watch: MTV and Fashions”, página 258.
Estados Unidos, New Jersey, New Brunswick. Transaction Publishers. Cuarta Impresión 2009. 1988. 376 págs.

[vi] Anson, Robert Sam “Birth of and MTV Nation”
VanityFair.com
http://www.vanityfair.com/culture/features/2000/11/mtv200011?printable=true&currentPage=allPittman

[vii] Ditzian, Eric
“Bill Clinton to Barack Obama: MTV´s History with Politics”
MTV.com
http://www.mtv.com/news/articles/1649854/bill-clinton-barack-obama-mtvs-history-with-politics.jhtml

[viii] Barron, Steven Sección “BIOG”
SteveBarron.com
http://www.steve-barron.com/

[ix] Denisoff, R. Serge
Inside MTV
“If you´ve got the money…”, página 144.
Estados Unidos, New Jersey, New Brunswick. Transaction Publishers. Cuarta Impresión 2009. 1988. 376 págs.

[x] “Merlin” Internet Movie Data Base IMDB.com
http://www.imdb.com/title/tt0130414/

 “Coneheads”
Internet Movie Data Base IMDB.com
http://www.imdb.com/title/tt0106598/

[xi] Usuario: VevoMichaelJackson
“Billie Jean” (Steven Barron, 1982)
Youtube.com
http://www.youtube.com/watch?v=Zi_XLOBDo_Y&ob=av2n

[xii] Denisoff, R. Serge
Inside MTV
“And the Contests Keep Coming”, página 102.
Estados Unidos, New Jersey, New Brunswick. Transaction Publishers. Cuarta Impresión 2009. 1988. 376 págs..

[xiii] Denisoff, R. Serge Inside MTV “And the Contests Keep Coming”, página 102. Estados Unidos, New Jersey, New Brunswick. Transaction Publishers. Cuarta Impresión 2009. 1988. 376 págs..

[xiv] Jackson, Michael Moonwalk.
“Capítulo 5: The Moonwalk”, página 43.
Estados Unidos, Crown Archetype; Primera Edición 2009. 320 págs.
http://busras.blogspot.com.ar/2009/09/moonwalk-by-michael-jackson-pdf-e-book.html

[xv] Estulin, Daniel
Los secretos del club Bilderberg
“Capítulo 2. La maquina de lavado de cerebro perfecta: la MTV”, página 51.
DanielEstulin.com. Octubre 2008. 154 págs.

[xvi] Usuario: WarnerBrosRecords
“Burning Up” (Steven Barro, 1983) Youtube.com http://www.youtube.com/watch?v=pufec0Hps00&ob=av2e

[xvii] Sire Records – Sección “Overview” sitio official Warner Music Group http://www.wmg.com/

[xviii] Usuario: Carlson International “A certain sacrifice” (Stephen Jon Lewicki, 1979).
Dailymotion.com 
http://www.dailymotion.com/video/xldwb8_a-certain-sacrifice-carlson-international-vidimax_shortfilms

[xix] “A certain sacrifice”
Wikipedia.com
http://en.wikipedia.org/wiki/A_Certain_Sacrifice

[xx] Madonna > Lyrics
MTV.com is your destination for official Madonna lyrics.
http://www.mtv.com/music/artist/madonna/lyrics.jhtml

[xxi] Horus
Wikipedia.com
http://en.wikipedia.org/wiki/Eye_of_Horus

[xxii] Las puertas de Ishtar
Wikipedia.com

http://es.wikipedia.org/wiki/Puerta_de_Istar

[xxiii] Afrodita / Venus / Hathor
Wikipedia.com
http://en.wikipedia.org/wiki/Aphrodite

[xxiv] Prometeo
Wikipedia.com
http://es.wikipedia.org/wiki/Prometeo

[xxv] Laser
Wikipedia.com
http://en.wikipedia.org/wiki/Laser

[xxvi] Papa Benedicto XVI
Audiencia General  22 Marzo 2006

Jesus chama-os com decisão e eles seguem-no imediatamente: agora serão “pescadores de homens” (cf. Mc 1, 17; Mt 4, 19).”
http://www.vatican.va/holy_father/benedict_xvi/audiences/2006/documents/hf_ben-xvi_aud_20060322_po.html

[xxvii] Icke, David
Camino a la libertad
Youtube.com
http://www.youtube.com/watch?v=dotCXO_SQUU

[xxix] Usuario: MadonnaQueenOfficial
“Borderline” (Mary Lamb, 1984).
Youtube.com
http://www.youtube.com/watch?v=gHDbv7ZPCE0

El evangelio segun Sun Ra

4 Nov

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Sabios consejos musicales del avatar del jazz cosmico.

-por Kokote Karancho

Recientemente estuve releyendo el magnifico libro “Space is the Place: The times and lives of Sun Ra”, una muy completa biografía sobre el músico Sonny Blount o como es mas conocido, por el publico seguidor de su obra: Sun Ra. Explicar quien fue este genial personaje, demente, visionario, pionero de tantas cosas (pionero del free jazz y la música cósmica, del home-recording y de la autogestión en la música, del fundir esoterismo con cultura pop y estética sci-fi, pionero del afro centrismo etc. etc.) está mas allá del cometido de este humilde y breve post. En cambio, he decidido traducir algunos pasajes del libro en cuestión para compartirlo con los fieles lectores de este blog. El libro es extenso -casi 500 paginas si incluimos secciones dedicadas a la casi inabarcable discográfica, index, bibliografía y demás- ya que no solo cuenta la historia de la vida de Sun Ra en forma directa, si no que se toma su tiempo para poner en contexto y comentar los mas diversos elementos de la filosofía y el pensamiento del músico. La teosofía de H.P.. Blavatsky, la mística afro americana, la kabala, el auge de la ciencia ficción en la Norteamérica de la guerra fría, el neoplatonismo, las costumbres de los pastores negros , el movimiento por los derechos civiles, las historias de abducciones extraterrestres, la explosión del be-bop en la east coast, la contracultura de los 60`s y la secreta influencia de las logias masonicas en America son solo algunos de los tantos tópicos que el autor toca al contar esta historia que, en el fondo, es también la historia oculta de la cultura afro-norteamericana. Como ya dije, mi cometido es muchísimo mas humilde y acotado, limitándome a la traducción de algunos pasajes del capitulo 3 en donde el autor-basado en el comentario de los músicos de la mítica Arkestra– expone algunas de las claves e ideas musicales de Sun Ra. Especialmente recomendado para músicos o personas que quieran empezar a tocar pero no saben por donde entrarle a esta misteriosa cuestión de la música.

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El buscaba que los músicos accedieran a recursos situados mas alla de la inteligencia y el conocimiento

“Si no puedes involucrar tu espíritu en el proceso creativo, tampoco podrás enfrentar los elementos destructivos de la tierra”.

 “Sun Ra me ayudó a traducir el espíritu en música. El espíritu no comete errores”

-Marshall Allen

Sun Ra me dijo, “Jacson, toca todas las cosas que no sabes. Estarás sorprendido por todo lo que no conoces. Hay un infinito en lo que no conoces. Otra vez me dijo ¿Cuantas notas hay entre un Do y un Re? Si trabajas con esos tonos entonces podrás tocar “naturaleza” y la naturaleza no conoce notas. Por eso las religiones tocan campanas que suenan en todos los tonos. Ustedes no son músicos, son científicos del tono””

 -James Jacson

Ellos exploraban el sonido, experimentando, no recreando lo que ya existía. Tonos, no notas. Cada Do debía sonar distinto de otro Do, con un timbre y volumen distinto.

“Si te preocupan las notas entonces estas encerrado en ciertas reglas y sistemas, pero una vez que escuchas la música como tonos puedes hacer que un tono encaje con cualquier otro tono. Y también podrás escuchar lo que Billy Strayhorn escuchó en el subte que lo llevó a escribir Take the A train”.

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A veces, les pedía que recordaran como se sentían antes de aprender a tocar sus instrumentos de viento:

“¿Recuerdas lo pesado que era, lo raro que se sentían los dedos en esos botones, como nunca podías predecir el sonido que saldría al soplar?”

Todo esto significaba olvidarse de los fundamentos, técnica, método, estilo. Olvidarse de la “música”.

Al acceder a estas demandas los músicos podían sentirse expuestos e ignorantes. Lo cual era justamente su intención:

“La ignorancia es la voz del espíritu”

Les decía que necesitaban proyectar su música, no tocar mas fuerte, si no trasladar el sonido hacia un lugar particular “Ahí en ese ángulo, por ejemplo”.

“Quizás sea esa disciplina lo mas difícil al trabajar conmigo. Cierta vez, durante la grabación de Island in the sun, el baterista, que tocaba desde hacia mucho tiempo conmigo, no lograba tocar el ritmo que yo le había escrito. Después de algunas horas aun seguía sin tenerlo y estaba bastante enojado porque no lograba comprender.Mas tarde volvió con su amiga. Le pregunté a ella si quería intentar tocar el ritmo. Lo hizo inmediatamente. Ella era una bailarina y podía sentir muy íntimamente ese tipo de cosas”.

En otra ocasión otro baterista estaba en la misma situación. Entonces llamé a un chico que pasaba por la calle que ni siquiera sabía lo que era una batería. Le dije que tocara el ritmo y lo sacó al instante. Supongo que es natural. Realmente no se de que se trata, pero significa que realmente no es del todo necesario saber música”.

-Sun Ra

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El les advertía que una simple nota podría causar un daño incalculable al universo. Pero ¿Que significaba tocar una nota equivocada? ¿Tocar desafinado?“Cualquiera puede ser coherente tocando afinado…pero ¿Puedes ser coherente tocando desafinado?No hay errores. Si uno está tocando en otro tono o sonando mal, el resto de nosotros hará lo mismo. Después comenzará a sonar bien.”

La lección era que se trataba de un emprendimiento compartido y que la solución a los problemas era una cuestión colectiva. Entonces ¿Una “nota equivocada” significaba una nota no planeada, una nota inesperada? Esta banda se basaba en lo inesperado. Y en caso de que nada inesperado sucediera Sonny tenía preparadas algunas sorpresas. A veces subía o bajaba el tono de los standards mas populares para darle un ángulo disonante y despertar a la audiencia. O le pedía a algún músico que tocara desafinado durante todo el show.

“Si no puedes tocarlo perfectamente bien, tócalo perfectamente mal”.

“Si la música está en tu corazón no podrás hacer nada mal.”

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¿Es reálmente sólo Rock and Roll? (parte 2)

4 Nov

La relación entre el ocultismo y la contracultura musical se retrotrae a los orígenes decimonónicos y románticos del concepto de “juventud”. Así mismo, su vinculación con la ingeniería cultural de los poderes fácticos planetarios es más antigua e imbricada de lo que normalmente nos atrevemos a suponer.

por Franco Vico

leer Parte 1

Los Fab Four: George y Ringo sostienen el submarino con la letra P, de Paul, en presunta alusión a su muerte. John y ‘Faul’ hacen los signos de malocchio y el 666, de acuerdo a algunas interpretaciones.

Relájate y Flota

De acuerdo con este ex espía, los Fab Four fueron un elemento central en la lucha distractiva contra los movimientos de derechos civiles de población negra en el sur estadounidense, haciendo que la juventud blanca tomara el centro de la escena a fuerza de histeria beatlemaníaca. Con el cuarteto se introdujeron además palabras de moda que iban a ser la base de un nuevo léxico generacional, como “cool” o “hippie”, junto a los primeros indicios de la cultura psicodélica del siguiente lustro, todos trigger terms diseñados para un lavado de cerebro colectivo. (1)

Histeria beatlemaníaca, una de sus imágenes más sosegadas.

El autor y también ex agente secreto- de KGB- radicado en España, Daniel Estulin, coincide en sus aserciones sobre los cuatro de Liverpool y sobre este uso de la contracultura y el Rock. Ambos apuntan al académico y musicólogo de la Escuela de Frankfurt, Theodor Adorno, como uno de los responsables de dicha revolución musical por medio del Instituto Tavistock. Coleman y Estulin afirman casi a coro que Adorno modernizó la escala atonal de 12 notas perteneciente a los cultos paganos de los dioses Dionisio y Baal, la cual a fuerza de sonidos pesados y repetitivos conquistó las caderas de varias generaciones desde entonces. Estulin- en su libro Los Secretos del Club Bildelberg– asegura haber tenido el privilegio de examinar la correspondencia de EMI con Adorno, con lo cual pudo confirmar la gran ayuda musical- o autoria- aportada por el teórico para la invasión del rock británico a costas americanas. (2)

Theodor Adorno, quizás chequeando una partitura para mandarle a John y Paul…

John Lennon era un dedicado estudioso de los textos y la biografía de Crowley y todos ellos fueron, muy de acuerdo a su época, atraídos por alguna clase de investigación espiritual, como por ejemplo George Harrison con la meditación del Maharishi Mahesh Yogui. Solo hace falta tipear la busqueda The Beatles + occult, o The Beatles + Tavistock, para que una enorme variedad de investigaciones afloren, haciendo un exhaustivo raconto por tapas de LP, películas y letras del cuarteto británico, explicando la simbología evidente en toda su carrera. Destacan sin embargo dos largometrajes documentales. Uno- llamado El Último Testamento de George Harrison (3)- es una extensa argumentación de la teoría de la muerte de Paul McCartney desde la perspectiva de una grabación atribuida a Harrison, aparecida tras su muerte en 2001. La misma vincula las muertes de Lennon y el atentado a George del 1999, con un complot de infiltración de la Inteligencia Británica desde 1966 para encubrir la muerte del compositor de Yesterday.

En una escena de Help del año 1965, Ringo le muestra su anillo al portero de un restaurant hindú y le pregunta si sabe lo que quiere decir. El portero responde “Freemason”.

La otra, titulada The Winged Beatle (4), nombre basado en un poemario de Aleister Crowley, es una amplia revisión de los contenidos esotéricos y alusivos a la muerte de Paul infiltrados por grabación inversa y otras técnicas subliminales en el arte y la música del cuarteto. Al ver fragmentos de Help, Yellow Submarine y otros films de los Beatles, la simbología ocultista, masónica y pagana, es evidente. Júzguenlo ustedes mismos.

Las Majestades Satánicas

Ya a fines de los 60’s el flower power se estaba haciendo más explosivo y denso, con la entrada de The Doors, Jimi Hendrix o Santana en la escena. Todos ellos abiertos a algún tipo de coqueteo místico, comenzaron a utilizar sonoridades más disruptivas al oído, acercándose ya al naciente heavy metal.

Jim Morrison, de acuerdo a su amante la periodista Patricia Kenneally, realizó con ella una ceremonia de matrimonio Wicca- una actualización del paganismo céltico- (5). Crowley no escapaba, claro está, a su variado circulo de intereses. Se puede ver a la banda fotografiada con un busto del mago en la contratapa del disco 13– un número altamente simbólico, suma de las 12 constelaciones y el astro rey-, el primer compilatorio de The Doors lanzado en 1970.

Contratapa del album 13, de The Doors, donde se puede ver al cuarteto con un bustillo de arcilla de Crowley

Ya por entonces los Rolling Stones eran eminencias que pisaban los talones a sus pares de Liverpool. Ellos grabaron el LP Their Satanic Majesties en 1967, emulando de algún modo pero con más parafernalia ocultista, la cubierta del competidor Sgt. Pepper. Al año siguiente lanzaron Beggar’s Banquet, cuyo track inaugural era nada menos que Sympathy for the Devil. Sin embargo su flirteo con la oscuridad databa por lo menos de cuando en 1966 cantaban Paint it Black, una sombría marcha, interpretado como un requiem para una novia fallecida, usado en los 90’s en el film Devil’s Advocate.

Foto de tapa de Their Satanic Majesties Request: El simbolismo Lunar y Saturnal es representativo de Cronos, el Demiurgo, el padre de Zeus que se comía a sus hijos y que las tradiciones gnósticas afirman es el falso dios que creo al mundo.

En el umbral de los 70’s los sonidos del rock acabaron por volverse definitivamente más sombríos, con el uso consciente y sistemático de tritonos, intervalos musicales de tres notas por encima o por debajo de cada nota tonal de una escala, utilizados por su inherente potencial perturbador. El tritono fue prohibido por la Iglesia Católica durante el medioevo por considerarse un sonido para la invocación del demonio, tanto fue así que llegó a llamárselo diabolus in música y se evitaban notas que le fueran armónicas para eludir su inclusión. El legendario guitarrista de Black Sabbath, Tommy Iommi, dice que desconocía esta información en los albores de la banda: “Cuando comencé a escribir el material de Black Sabbath simplemente buscaba algo que sonara bien. Nunca pensé que iba a hacer música demoníaca” (6). El primer tema del primer álbum de la banda, ambos auto-intitulados, abre con un efecto de lluvia y una tormenta de tritonos. La canción relata la experiencia de Geezer Butler, bajista del grupo, quien tras pintar su apartamento de negro y poner cruces invertidas y otro tipo de parafernalia demoníaca, habíase dormido leyendo un libro de magia que le prestara Ozzy Osbourne. Al despertar ve una figura negra al pie de su cama, que de acuerdo a la canción lo señala como “el elegido” en medio de una carnaval de lenguas de fuego. Butler fue quien también se supone bautizó a Black Sabbath tras verificar que el público pagaba millones para ver películas de terror en el cine, infiriendo que quien hiciera “música de terror” ganaría mucho dinero. (7)

Parte de la triada madre del Heavy Metal, junto con Sabbath y Deep Purple, fueron los abiertamente crowleanos Led Zeppelin, quienes incluyeron un sin fin de simbología ocultista en sus álbumes y letras. Uno de los iconos de Zeppelin, el guitarrista Jimmy Page, fue el principal responsable de este interés de la banda. En su cuarto álbum la banda incluye una serie de cuatro símbolos misteriosos, uno por cada integrante, todos provenientes de diferentes tradiciones esotéricas y referidos al aspecto arquetípico de su participación en el conjunto.

El único símbolo que permanece inexplicado, por voluntad del portador mismo, es el de Page. Reconocido con el nombre de Zoso, al símbolo se le han atribuido diversas interpretaciones más o menos extravagantes. Una de las más sustentadas es que el símbolo proviene de un grimorio (manual de magia) del alquimista Girolamo Cardamo, llamado Ars Magica Arteficii, escrito en 1557. Otras explicaciones señalan que es una conjunción de símbolos que cifran la carta astral del guitarrista. Una figura del tarot también aparece en el interior del mismo LP, y es una reproducción casi exacta de la carta de El Ermitaño, quien portando una lámpara, representa la sabiduría y la introspección alejada del mundo.

Page es su entonces casa de Loch Ness, Boleskine House, ex-residencia de Crowley.

Page llegó a adquirir mucha memorabilia y objetos personales de Aleister Crowley, incluso su tenebrosa mansión en el lago Ness, Boleskine House, donde se filmó el documental sobre la banda The Song Remains the Same. Algunos investigadores, como el equipo del programa de TV español Cuarto Milenio, incluso afirman que este tipo de relaciones con lo sobrenatural habrían desencadenado una serie de tragedias- como la muerte del hijo del cantante Robert Plant y varios accidentes aéreos- que desembocaron en la separación de la banda luego de la muerte del baterista John Bonham. En 1970 Page fue convocado para componer la banda de sonido de Lucifer Rising, la nueva producción del mencionado Kenneth Anger. Por diversos problemas de drogas y otros, Page compuso sólo 23 minutos de música después de tres años, los cuales parecieron insuficientes al director, quien reemplazó su contribución por la de un miembro de la Familia Manson, quien compuso la música desde prisión. (8)

La historia de los cruces entre el Heavy Metal con el ocultismo y la magia es extensísima. Una genial revisión de la misma y otros temas es el documental Metal: a Headbanger’s Journey (9), dirigido por el antropólogo canadiense Sam Dunn en 2005. Allí aparece Ronni James Dio, cantante entre otras bandas de Sabbath luego de la ida de Ozzy. Dio explica el origen italiano de la mano en señal de cuernos, que su abuela llamaba Malocchio y era una forma de magia popular para protegerse o lanzar un maleficio. Me pregunto, luego de ver a algunos presidentes y otros mandatarios o estrellas haciendo el mismo gesto ¿que podrá significar para ellos?

Continúa en parte 3

Notas

1 Dr. Coleman, John. Conspirator’s Hierarchy: The History of the Commitee of 300; 1991. Pág. 157 “When Tavistock brought the Beatles to the United States nobody could have imagined the cultural disaster that was to follow in their wake. The Beatles were an integral part of THE AQUARIAN CONSPIRACY […] The phenomenon of the Beatles was not a spontaneous rebellion by youth against the old social system. Instead it was a carefully crafted plot to introduce by a conspiratorial body which could not be identified, a highly destructive and divisive element into a large population group targeted for change against its will.”

2 Estulin, Daniel. Los Secretos del Club Bildelberg; Ed. Del Bronce, 2006. “Fue EMI la que creó el mito de la gran popularidad de los Beatles. Bajo la dirección de George Martin (director de grabaciones de Parlophone, una filial de EMI, y él mismo un músico con talento) y Brian Epstein, los Beatles fueron «lavados y limpiados y se les peinó al estilo de los Beatles.» Martin creó en su estudio de grabación a los Beatles y al entorno de celebridades que les seguía, y Theodor Adorno les escribió sus melodías y letras. Esta información, huelga decirlo, fue siempre ocultada al público.”

3 Mockumentary Paul McCartney Really is Dead: The Last Testament of George Harrison? 2010, Dir.: Joel Gilbert. Route 61 Ent. http://www.paulreallyisdead.com

4 Documental, The Winged Beatle. 2010 http://thewingedbeatle.com/ARE3RA.html

5 Jim Morrison, Relationships; Wikipedia. http://en.wikipedia.org/

6 Diavolus in Musica: El Tritono http://www.escribircanciones.com.ar/

Black Sabbath, formación y primeros años (1967-1969) Wikipedia. “Un cine en la acera de enfrente del local de ensayo de la banda estaba mostrando una película de terror de 1963 dirigida por Mario Bava, con Boris Karloff como protagonista, llamada Black Sabbath (Las tres caras del miedo en español, título original I tre volti della paura). Mientras veía a la gente que hacía cola para ver la película, Butler notó que «era raro ver que la gente gastase tanto dinero para ver películas de miedo».16 Después de esto escribió la letra de una canción llamada «Black Sabbath», inspirada en el trabajo del escritor ocultista Dennis Wheatley17 18 y en una visión que había tenido Butler sobre una figura negra encapuchada a los pies de su cama.19 […] La banda cambió su nombre a Black Sabbath en agosto de 196924 y tomó la decisión de centrarse en componer material similar, en un intento de crear el equivalente musical a las películas de terror.” http://es.wikipedia.org/

Relaciones de Page con el Ocultismo, Wikipedia http://es.wikipedia.org/

Metal, A HeadBanger’s Journey, 2005. Dir.: Sam Dunn. Wikipedia

Apuntes y dudas sobre el “Arte consciente”

3 Nov

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-por Kokote Karancho

Desde hace un tiempo me vengo encontrando con gente que me habla de “arte consciente”, esta idea que cada vez toma mas y mas vigor entre consumidores de música, literatura y arte que han optado por darle un giro algo radical a su vida beneficiándose de hábitos mas saludables como comer sano, meditar, hacer yoga etc.,etc. La idea es bien simple y hasta se podría decir que tiene bastante sentido: El arte también puede ser considerado como alimento, con sus proteínas, vitaminas, aminoácidos o toxinas y por lo tanto no es tan criticable una sabia discriminación en el consumo de música, cine, literatura o lo que sea que uno vaya a consumir dentro de la variada oferta de contenidos artístico-culturales. Aun hoy recuerdo los dichos de un chamán que recomendaba, como primer paso para decondicionar la mente de las ideas toxicas de nuestra cultura, dejar de ver televisión ya mismo y de una vez por todas.También- y aunque no esté del todo de acuerdo con su punto de vista- me viene a la mente la distinción de Gurdjieff entre arte objetivo y arte subjetivo, siendo este último- siempre según el- una vulgar caricatura del “verdadero arte objetivo” basado en -formulas pitagóricas mediante- los secretos del cosmos, el movimiento de las estrellas etc. etc. Gurdjieff solía criticar al arte moderno occidental por considerarlo una alienada expresión del yo, de la subjetividad y de todas esas cosas que uno podría relacionar con la visión miope del ego desesperado de autoexpresión. Claro que Gurdjieff era- a pesar de su singular sabiduría- un hombre de su tiempo, es decir un líder de mente patriarcal, un creyente en la objetividad, algo impensable en estos tiempos de exceso de información, mapas y métodos para acceder a las más diversas realidades cuánticas. Personalmente hace rato considero que la idea de “objetividad” es del todo obsoleta- igual que la de realidad en singular (“realidades”, así en plural, sería mas apropiada) ya que todo depende de los limites cognitivos de las distintas mentes, los condicionamientos impuestos por la propia cultura y en definitiva, la sensación que usualmente queda después de acceder a eso terrenos mentales de mayor “espacio” es que todo se hace y se deshace constantemente o como cantaba el loro de un sabio budista chino “todo es impermanente, todo es impermanente, quiero papa”. Pero, estábamos hablando del “arte consciente” cuando yo de tanta impermanencia termine yéndome a cualquier parte. Retomemos entonces.

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Es que todo surge de charlas más bien banales y sería hipócrita si no confesara que a mis ojos se presenta casi siempre con cierto tono de caricatura: Ella no escucha mas a los Stooges, ahora solo escucha a Ravi Sahamaputudra y su ensamble raga raga. Y no solo porque le da mas placer (lo cual es uno de los mejores argumentos cuando se trata de justificar las propias opciones estético-musicales) si no porque a diferencia de los drogones de Detroit el Ravi hace “arte consciente”, música del alma, ustedes saben. Y claro uno sabe, es que uno no nació ayer. Entonces déjenme decir una cosa y es que en la mayoría de los casos estos planteos me parecen sumamente sospechosos.

Es decir, son ese tipo de sobre-simplificaciones las que suelen atentar contra la riqueza de los distintos matices (a veces mas bien desconcertantes) en este tipo de cuestiones. Ejemplo: Estoy en un recital de música india que me salió lo que un indio gana en un año y desde mi “conciencia” decido olvidarme de mi amiga y de que estoy solo ahí por la misma razón que las abejas revolotean las florcitas. Entonces “estoy ahí” y si fuera un recital de rock ya estaría por mi tercera cerveza, pero ey! uno no nació ayer, ha meditado casi tanto como ha bebido o ha perdido/ganado en el amor. Atención al aire entrando en las fosas nasales, atención al “aquí y ahora”, atención a los músicos que ahora se acercan y empiezan a tocar. ¿Noto cierto nerviosismo en el salón? Silencio sepulcral, alguien estornuda y se siente como un pecado mortal. Músicos argentinos tratando de tener la espalda tan derecha como el gurú indio cuyo poster cuelga en el salón, tensión, concentración y silenciosa reprobación a las pocas notas “pifiadas” de ese extraño instrumento de cuerdas (“Las pifiadas fueron las mejores partes” diría luego un amigo que me acompañaba en mi sorprendida y extrañada conciencia). Bueno, no fue una super-noche diría uno. Después del show los músicos se saludan con respeto mientras yo quedo inquiriéndome si para este tipo de imitación de sabiduría oriental “conciencia” siempre debe significar un brutal asesinato al corazón de Dionisios. Pero dejando de lado eso que muy bien expresó C.G Jung (“La imitación que el occidental hace de la sabiduría oriental suele ser un tanto penosa”-Jung siempre insistia en que occidente podía aprender mucho de oriente pero siempre buscando y creando sus propias formas) planteemos ahora las siguientes cuestiones:

 ¿Es la conciencia algo que pueda ser adquirido por el simple hecho de escuchar tal o cual música, por consumir tal o cual expresión artística? O mejor aun ¿Es la conciencia “algo” a ser adquirido o es más bien algo que está a cada momento, cada vez que la observamos? ¿Es que importa realmente el “soporte” que cada uno use en la propia búsqueda de esa chispa de conciencia infinita revoloteando en el interior del si-mismo? O dicho de otro modo ¿Vamos a quejarnos si en cierto momento algún joven empepado hasta las tripas tiene un profundo insight sobre la naturaleza del cosmos con“We will Fall” de los Stooges en vez de haberlo hecho después de un prolongado ayuno con los ragas de Swami Murundurumandanga? ¿Que importa que Iggy Pop sea una estrella de rock aburrida (quizas el Swami use su status de gurú como pantalla para realizar operaciones de lavado de narco dólares, nunca se sabe estos días)? ¿No son Iggy y los hermanos Asheton, el Swami, el meditador experto, el chico empepado hasta las tripas, mi amiga la del arte consciente y quien esto escribe fenómenos de vacuidad ayoica entrelazados en la impermanencia de una singularidad de no-tiempo y eternidad.?¿No era Samsara igual a Nirvana?
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Pd1- Este post fue escrito mientras de fondo sonaban Boredoms, the Upsetters, Residents, OOIOO, The Fall, Augustus Pablo y algunos otros en el “shuffle” cuantico de mi winamp. ?Hubiese salido mejor con música tibetana de fondo?

Pd2- Hasta donde puede averiguar tanto Ravi Sahamaputudra como Swami Murundurumandanga son solamente personajes de ficción creados únicamente por propósitos de diversión y retórica. Cualquier relación con personajes reales debe entenderse como pura coincidencia en un mundo de imprevisibles probabilidades.

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FEMME-SAPPIENS

2 Nov

(Una apreciación sobre la vanguardia femenina francesa en los 70′s.)

Como otras  variantes de la música moderna surgida en la segunda mitad de la década del 60 Francia ha sabido utilizar estilísticamente la música en favor de una evolución de su propia cultura alternativa. Quizás, sobre todo, el fenómeno que más se me hace notar, es aquel cargado de esa  fuerza vital y sobrenatural que han sabido utilizar las mujeres en la vanguardia musical de ese tiempo. Resulta raro que paralelamente se centraba la atención comercial en artistas femeninos de emociones obvias, posiblemente impulsadas por encontrar un público complaciente, pero que poco hicieron por involucrarse con una corriente musical más radical.

En Francia, se sabe que en las calles se estaba viviendo una vida agitada, los grupos revolucionarios y contestatarios eran de una formación intelectual bastante brava, ya que el ambiente universitario estaba en su punto de encuentro interdisciplinario donde el campo de la filosofía y el arte estaban brotando de manera desbordante. Por otra parte, la cultura bohemia: siempre fue la nación predilecta para la bohemia intelectual, donde la poesía, el exceso y la pasión por encontrarle un sentido a la vida se han volcado en las obras clásicas francesas, así como estas han influenciado al aspecto artístico y estilístico de su cultura.

Este capítulo está dedicado a las mujeres que fueron líderes de un “movimiento” que supo mezclar tantos estilos de música  y al mismo tiempo lograr  una ideología cargada de un sentimiento de carácter libertario y contestatario que merece mención en cualquier manual de música moderna.

La primera mujer que hare mención será Brigitte Fontaine, no por nada en especial, sino por el hecho de que su carrera ha sido la más prolífica y prolongada. A lo largo de su trayectoria ha sabido emplear estilos tan versátiles como el rock and roll, el folk, el jazz, la electrónica, la poesía narrada y ritmos de alrededor del mundo. Desde sus 17 años que Brigitte Fontaine  se mudó a Paris para comenzar su búsqueda artística como actriz. Fue durante la primera mitad de los años sesenta mediante la  asociación con otro gran talento de la bohemia francesa como Jacques Higelin que impulsó su interés por la música, juntos participaron en la obra teatral “Maman j’ai peur” (Mamá, tengo miedo) y grabaron sus primeros simples en el estilo de chanson francesa de la época. A través de Higelin se pondría en contacto con el músico que la acompañaría a lo largo de casi toda su carrera, Areski Belkacem. Más conocido simplemente por “Areski”, el multiinstrumentista de descendencia Argelina de Kabyl, se acopló al genio de Brigitte Fontaine desde un primer momento. Luego de que Brigitte lanzara su disco debut “Brigitte Fontaine est Folle” (Brigitte Fontaine está loca) genialmente arreglado por Jean Claude Vannier y un segundo disco que fue realizado con la ayuda del grupo de Free-Jazz, The Art Ensamble of Chicago durante su período de residencia en Francia. La dupla Brigitte Fontaine & Areski grabaría su primer trabajo para el sello Savarah: “L’incendie” (El Incendio), en el año 1971. Con una fuerte carga folklórica y mezclando unas buenas dosis de variados estilos tradicionales, demostraron tener una habilidad y un riesgo bien acertado para trabajar conjuntamente. Le continuaron un disco homónimo, “Brigitte Fontaine” de 1972, “Je ne connais pas cet homme” de 1973, “Le Bonheur” de 1975 y en 1977 sacarían su disco más conocido “Vos et Nous”, esta obra representaría a través de sus 71 minutos, la culminación de su embarcación musical, navegando a través de todos los recursos expresivos y sonoros de su no tan larga carrera, llenan su asombrante contenido canciones políticas como “Patriarcat” que ya hace pensar en el disco como una pieza única de electrónica, donde el Trip-Hop encontrará su referente más directo (junto a los primeros trabajos de la norteamericana Annette Peacock), también canciones como “je suis venu te voir” y “Dans va Rue”,  sugieren un tributo al  músico e investigador Barney Wilen. Un disco más que obligatorio en la discoteca personal, ya que su variedad es tan grande y tan bien combinada que lo vuelve esencial a todo el que sepa apreciarlo.

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Alrededor de la misma época en que Brigitte Fontaine comenzó a lanzar discos que combinaban elementos de música francesa con un sonido más extremo, otra artista tomaba ese mismo camino, pero con intencionalidades más oscuras. Catherine Ribeiro nació en 1939 en el seno de una familia clase media de inmigrantes portugueses, se dedicó a la actuación donde pudo conseguir un rol en la película “Los Carabineros” de Jean Luc Godard en el año 1963, fue durante este período que conoció a Patrice Moullet, quien se convertiría en su marido y quien elaboraría los conceptos musicales de su futura banda Alpes, que acompañó a Catherine gran parte de su carrera. El carácter vocal de Catherine Ribeiro y el espíritu de búsqueda sonora que exploraba Moullet en ese tiempo, estaba ligado a la música contemporánea y el primitivismo minimalista que había encontrado su punto de encuentro entre la música folklórica y la vanguardia más radical.

Impulsada por los aires de liberación de esa época, Catherine Ribeiro insidió en utilizar su poderosa voz para plasmar su lado más oscuro y traumático, pero sin perder ese anhelo de liberación total que expresaba a través de sus composiciones, poderosas y abstractas, de un carácter cuasi-demencial, susurrante y erótico por momentos, transportándose a ronquidos y gritos realmente provocadores y proclamas manifiestas como una poetisa dionisíaca.

El primero de sus discos salió en el año 1969, la banda que la acompañó por entonces “2 bis” estaba compuesta por los guitarristas Portugueses Pires Moliceiro, Isaac Robles Monteiro y Moullet. Sería ya para el segundo disco titulado simplemente “N.2″ que la banda liderada por Patrice Moullet, multinstrumentista (guitarra, órgano, percusión y distintos elementos electrónicos) y único miembro estable, cambiaría su nombre a “Alpes”. El eclecticismo que funcionaba en el conjunto queda plasmado en la discografía que se expande desde el año 1969 hasta el año 1975 con el disco “(Libertés?)”, donde de algún modo quedó afirmada su concepción musical, a través de discos como “Ame Debout” (Espíritu Honrado) de 1971, “Paix” (Paz) de 1972 y  “Le Rat Debile et l’Homme des Champs” (La rata debilitada y el hombre campestre) de 1974 Catherine Ribeiro junto con Alpes ha sabido explorar los confines de la canción romántica, en el sentido heroico de la palabra.

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También hija de padres que inmigraron a Francia (madre italiana y padre polaco) Béatrice Tékielski nace en Avignon en 1943. Desde muy temprana edad se interesa por el floreciente movimiento de la Chanson francesa, pero es con el descubrimiento del artista Leo Ferré (de ideología plenamente libertaria y uno de los más destacados poetas de su tiempo) que Béatrice decide dedicarse de lleno a la música. En el año 1971 saca su primer trabajo discográfico “Je cherche un pays” muy en la línea de artistas que se situaban en el circulo más comercial de su época. Es para el año 1977 que firma un contrato para sacar dos discos en vivo “La Folle”(La loca) y “Faudrait rallumer la lumière dans ce foutu compartiment”(Haría falta prender la luz para ver este portarretrato), para entonces había cambiado su nombre a Mama Bea Tekielski (ya que su estilo vocal referenciaba a las “Mamas” bluseras de norteamerica), es con estos trabajos que logra capturar la atención de los críticos musicales, que definen su música dotada de lo infernal del rock, lo fantasmagórico del Blues, y el estilo scat que surgía de su interés por el Jazz. Los elementos que más destacan  es el estilo progresivo en su música, donde por momentos es cargada por ritmos sincopados, Sintetizadores maliciosos y bases obsesivas en las guitarras que también rellenan los espacios con solos  bastante virtuosos. Uno de sus mejores aspectos, que indudablemente va unida a su música son la malicia de sus letras, de un carácter autofóbico que hace sentir su clamor como una desdicha identificable con uno mismo:

Peso el peso del miedo

Qué me tiene despierta, por la noche,

Los miembros atiesados bajo la sábana

Como una baldosa de hormigón

Los ojos torneados al interior,

Preguntándome quién soy!”

A partir del año 1978 Mama Bea fue reconocida por varios premios en algunos países de Europa, y también hizo una muy elogiada presentación en el teatro Olympia de Paris. El  crítico Juan Alary de  la revista Sono escribió: ” Mama  es un verdadero ” bebé robot ” cuyo cerebro ” positronique ” amorosamente ha sido programado a partir de las rabias y las ternuras de Janis Joplin, Tina Turner, Léo Ferré, Colette Magny, Arthur Rimbaud…”

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Por último haré referencia a una mujer que de alguna manera fue la matrona que había llegado primero a la escena musical y la que se arriesgó de manera más abrupta, Colette Magny. Comenzó haciendo versiones de temas de blues con el mismo afán ideológico norteamericano de igualdad de derechos y con una  carga fuerte de socialismo. En el año 1967 graba el  disco “Vietnam 67″ donde manifesta su posición frente a los conflictos de la época. Siempre con su figura de Mujer revolucionaria, es ya en el año 1970 que publica su disco “Feu et rythme” que empezaría una seguidilla de obras conceptuales, de carácter vanguardista, en el cual su estilo  se hace tan cargado de emoción que es difícil llevar a cabo su explicación, uno mismo tendría que escucharlo para saber. La instrumentación varía de disco en disco, en “Répression” de 1972 utiliza mayormente un ensamble de Free-Jazz donde se duplican los contrabajos  y el ritmo se descontractura. Luego en su obra conceptual “Transit” de 1975, la instrumentación corresponde a un ensamble moderno que padece la histeria de este disco.

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Es entendido que Colette Magny nunca fue reconocida por medios Radiofónicos, ni por la televisión francesa, lo mismo ha ocurrido con las otras mujeres mencionadas en este artículo, quizás sea por algún tipo de obviedad ideológica en sus figuras que resultaría un catalizador para la juventud francesa, sin embargo su reconocimiento es pleno en las mentes que logran abrazar su musicalidad Dionisíaca.

                                                                            por Christian Colangelo

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